Vol.2 探索日本女性摄影师的视野 ——以摄影画册为媒介
主编:木知Muki 日期：2025年10月31日
「影像半月刊 Women’s Image Almanac」
专注亚洲与女性艺术，这是一份与月亮同频的影像档案。
每逢上弦月与下弦月，我都会寄出一封 Moon Letter，记录影像的流动与女性的观看。
探索日本女性摄影师的视野
——以摄影画册为媒介
由视觉设计师樋口歩作为策展人的展览「写真集でたどる日本の女性写真家のまなざし」(探索日本女性摄影师的视野——以摄影画册为媒介) 于25年10月在东京召开。
她设计的作品包括 I’m So Happy You Are Here, WHAT THEY SAW Historical Photobooks by Women 等等。
这次展览的策展思路参考了 I’m So Happy You Are Here，这本书收录了 19 世纪 50 年代起，日本女性摄影师及她们的作品，是 2024 年阿尔勒摄影节同名展览 (该展览正在世界各地巡回中) 的图册。
参考 I’m So Happy You Are Here 的思路，在这次的展览中，没有用时间顺序来追溯日本女性摄影史的发展历程，而是将她们的作品归类为「自我」「性别」「女性能量」「日常生活的魔法」这几个主题，介绍其中的代表性作品。
在这个基础上，加上历史发展的时间轴，我们就能对日本女性在摄影书实践，有一个更加全面的认识。
展出的书籍包括——
石川真生『赤花 アカバナー 沖縄の女』
岡上淑子『Drop of Dreams: Works 1950‒1956』
川内倫子『Illuminance』『Sheets』
片山真理『Gift』
志賀理江子『螺旋海岸｜album』 『螺旋海岸｜notebook』
潮田登久子『マイハズバンド』
鈴木麻弓『The Restoration Will』
鈴木萌『底翳 SOKOHI』
澤田知子『ID400』
西村多美子『しきしま』
野口里佳『不思議な力』
原美樹子『ヒステリック13：原美樹子』
藤岡亜弥『私は眠らない』
細倉真弓『クリスタル ラブ スターライト』
蜷川実花『17 9 ’97』
やなぎみわ(柳美和)『White Casket』
山沢栄子『遠近』
...
宁波当代国际画廊周：
雷安喬 Lean Lui
宁波，1844时尚创意产业园，2025.10.31 → 2025.11.4林典子作品展 In the Ashes, She Blooms — Portraits of Afghan Women
东京，Sony Imaging Gallery，2025.10.24 → 2025.10.30“
在阿富汗，花自古便是生命与柔软的象征，常被诗人与画家吟咏。波斯语中“花”一词——gul——也是许多女孩的名字，寄托着人们对自然与精神之美的深切敬意。
自 2021 年塔利班重新掌权以来，女性的社会参与被严格限制，高等教育被全面禁止。即便曾被视为例外的助产士培训，也在 2024 年底被迫停止。
然而，当我走进那些女性的房间，映入眼帘的却是与外部世界截然不同的景象：墙壁、靠垫、窗边，都覆满了花纹与色彩。
2023 年，我在东北部巴达赫尚省的一个乡村遇到一位女性。她递给我一块曾被当作床单使用的花布。从那以后，我带着这块布走遍阿富汗各地，记录女性的言语，并以这块布作背景，为她们一一拍下肖像。
在连绵不绝的战争与被迫沉默的时代里，我所遇到的女性们——在心底抗争，又努力与现实达成和解；或仍然相信，“哪怕微小，也能带来改变”。
她们的存在，像灰烬中仍不枯萎的花朵，静静绽放。
—— 林典子
WomenCharmaine Poh: Make a travel deep of your inside, and don’t forget me to take
柏林，Palais Populaire，2025.9.11 → 2026.2.23新加坡华裔艺术家兼影像创作者傅秀璇(Charmaine Poh)获评德意志银行 2025 年度艺术家。傅秀璇以影像、装置与表演交织出关于身份、权力、女性与酷儿经验的多重叙事，她的镜头常以“流动”作为隐喻——既是水的意象，也是情感与历史的回声。
作品 The Moon is Wet 追溯上世纪三十年代赴新加坡的“妈姐”群体，将她们的集体记忆与妈祖信仰并置，构筑出关于迁移、照护与女性团结的共感场域。
另一部影片 What’s softest in the world rushes and runs over what’s hardest in the world 聚焦非异性恋家庭与生育经验，以生态的敏感度探问身体、情感与技术的边界。
傅秀璇的创作以温柔为政治姿态，在个人与历史、自然与人工之间，为女性与酷儿主体发声。
公開制作93 笹岡啓子
东京，府中市美术馆，2025.9.20 → 2025.12.7以拍摄日本各地风景闻名的摄影师笹岡啓子（1978 年生于广岛），长期关注土地的历史与地理特质，其作品兼具力量与静谧。
本次展览以她自 2001 年起持续创作的 PARK CITY 系列为核心，呈现一场摄影再思考的“公开制作”。笹岡将重新编辑、重组过往在广岛拍摄的影像，并制作ZINE小册，向观众开放她在图像筛选、编排、印制等过程中的思索。她认为“摄影”不止于按下快门，而是涵盖调查、谈判、编辑、展示的全程行动。
作为 photographers’ gallery 创始成员之一，笹岡始终将摄影视为社会性的、可被共同观看与再生产的实践。此次展览邀请观众进入影像生成的内层，见证一位摄影家如何通过再编辑的过程，探问“风景”与“观看”的边界。
她径·她相——
摄影艺术展·大湾区巡回展
珠海，须臾欢忭，2025.9.26 → 2025.11.17《她径・她相》系列的首展于 2020 年在葡萄牙波尔图的 Saco Azul Associação Cultural 举行，展名为 Outros Portos – Outros Olhares (他方港口·他方视角)。展览由 Clara Brito 与顾振清联合策划，汇聚中国、澳门及葡萄牙的女性艺术家，通过摄影探索身份、归属与女性气质的多重面向。目前，展览计划以“大湾区巡展”形式在亚洲继续展开。
艺术家：
邢丹文（中国）：1967 年生于西安，曾就读于中央美术学院，并于 90 年代在纽约继续影像学业。她以自身成长、女性身体、社会角色为载体，拒绝男性凝视中的被动位置，而是转向对自身与境况的大胆提问。
O Zhang（张鸥，中国）：出生于广州，现工作于纽约。其摄影作品包含被美国家庭收养的中国女孩、家庭关系、文化归属等议题。在本次展览语境下，她所关注的“身份流动”“跨国收养”与女性视角、自我认同命题契合。
Mina Ao（澳门）：出生并成长于澳门，此后曾旅居加拿大、美国、以色列等地。其摄影以对「文化-自然-遭遇」的敏感态度著称——她探索景观之外、更“被忽略的生命形式”，并希望透过镜头给予被摄者及其文化新的观看方式。在女性主义语境中，她的视角既有“游历者”自觉，也兼具与地方和身份的关系思索。
宋婷（中国）：AI 艺术家、科幻作家，曾创作中国大陆首幅由 GAN 生成并被拍卖的 AI 美术作品。她将女性主义视角、数字技术、传统文化融合，为“数字时代中的女性形态”开辟新的叙述可能。
Margarida Gouveia（葡萄牙）：生于托雷斯·维德拉什（Torres Vedras），主作摄影与录像。其创作探讨二维与三维、物质与影像之间的张力。她通过形式与影像语言的实验，呼应女性艺术家对媒介边界的拓展，体现一种技术/感知上的“越界”姿态。
黄安澜：成为所有地方的所有人
北京，魔金石空间，2025.9.26 → 2025.12.6漂着: 山城知佳子×志賀理江子
东京，Artizon Museum，2025.10.11 → 2026.1.12「Jam Session」系列第六回聚焦日本当代女性艺术家山城知佳子与志贺理江子，探索土地、记忆与历史的交织。
山城知佳子以影像、摄影与表演关注冲绳及东亚的历史与文化，作品中反复审视身份、生死界限及他者记忆的传承；志贺理江子以摄影呈现东北生活与自然、人类世代记忆的关系，自东日本大震灾以来，她的影像关注现代社会的“复兴”叙事与人类精神深层。
展览以新作与石桥财团收藏作品的对话，探讨中心与边缘、过去与现实的张力，呼应当下信息泛滥与后真相时代下对历史的再思考。
两位艺术家通过身体性实践与视觉叙事，提出对历史、社会与女性经验的敏锐观察与伦理关照，为观众提供反思当代现实与艺术力量的契机。
FRIEZE LONDON 2025: PKM Gallery
伦敦，Park Square West，2025.10.15 → 2025.10.19PKM Gallery 于 2025 年 10 月 15 日在 Frieze London 2025 展出两位女性艺术家 Jungjin Lee 与 Young In Hong 的精选作品。
Jungjin Lee 以手工涂布韩纸（hanji）再印摄影影像的独特技法著称，其作品超越传统摄影的再现功能，呈现直觉与感知塑造的冥想式景观。在本次展览中，她将展出新系列Unseen 的一件作品及 Voice 系列的两幅大尺幅摄影作品，影像不仅记录自然景观，更传递可触摸的时间感与女性生命力的气息。
Young In Hong 则通过刺绣与织物等“女性化”媒介，批判历史中根深蒂固的男性等级结构。她展出的 One Gate Between Two Worlds （2021）以朝鲜王朝祭祀画作为灵感，将僵化仪式空间重构为虚拟的替代场域；大型悬挂刺绣作品 Woven and Echoed （2021）则用反转与碎片化的文字，重写 1970–80 年代韩国纺织女工的叙事，解构父权叙事并赋予女性主体以声音和行动力。
此次展览通过两位女性艺术家的多媒体实践与历史敏感性，呈现女性经验、身份与社会结构的深刻思考，为观众提供跨时空的视觉与伦理体验。
林安羅“想象·双刃之剑”
北京，三影堂摄影艺术中心 ，2025.10.25 → 2025.11.30林安羅（임안나 / Lim Anna）以戏剧化的“战争影像”著称，她将战争符号、消费物件与舞台化场景并置，揭示现代影像如何在真实与表演之间制造焦虑。
此次“三影堂”个展《想象：双刃之剑》延续她长期对“图像消费”的批判：远处为温柔风景，近看却是布景、灯光和道具暴露出的焦虑痕迹，提醒观众：我们看到的常常是被编排的“高潮”而非未经修饰的事实。代表系列如 Frozen Objects, Romantic Soldiers, Iron Scar。
另一个故事：女性艺术家的一百年
もうひとつの物語――
女性美術家たちの100年
东京，世田谷美术馆，2025.7.26 → 2025.11.32025 年，东京美术学校（今东京艺术大学）允许女性入学已逾百年，本展通过馆藏作品回顾女性美术家的创作历程。
展览涵盖战前先驱如甲斐仁代、三岸节子，以及战后至当代活跃艺术家草间弥生、片冈球子等，呈现她们在受限教育与社会期望下的坚韧探索。
作品既体现个人艺术追求，也映射时代性别规范与挑战。特别展区展示奈良原一高〈Tokyo, the ‘50s〉，用摄影捕捉1950 年代东京街景，与女性艺术家的作品形成历史与影像的呼应。
本展不仅呈现历史档案，更让观众感受女性艺术家的视角、实践与勇气，提供另一种被忽视的艺术叙事。
艺术家名单：
甲斐仁代、三岸節子、坂上恒子、高木茂子、仲田好江、片岡球子、
郷倉和子、志村ふくみ、西尾節子、児玉佐規子、野田好子、
小堀杏奴、合田佐和子、草間彌生、間所（芥川）紗織、小川孝子、
福島秀子、野口登士子、沢村美佐子、古茂田美津子、小林喜巳子、
小山田チカエ、塔本シスコ、藤田桜、丹阿弥丹波子、瀬本容子、
坂上チユキ、宮脇愛子、島田鮎子、池口史子、小野田宇花、
淀井彩子、淀井由利子、大竹富江、荒敦子、福田美蘭、萱原里砂、
白石由子、寺村祐子、藤岡蕙子・佐久間美智子、堂本右美、
辰野登恵子、安田奈緒子、井上玲子
林天苗：没什么好玩的
上海，上海当代艺术博物馆 ，2025.9.30 → 2026.1.4中国艺术家林天苗迄今最大规模的个展“没什么好玩的！”。展览以“身体”与“日常物品”为核心，梳理其三十余年的艺术实践，展出逾 40 件/组代表作，包括早期缠绕棉线的自画像《辫》、改造日常器物的《缠了，再剪开》，以及最新委托创作《小人国》。
林天苗以身体经验和个人记忆为起点，探讨性别、母性、衰老与病痛，将日常物品转化为承载情感与社会记忆的媒介。展览通过互动与空间装置，呈现观众与作品间的心理张力，使艺术成为感知生活、面对困境的力量。
女性艺术群展《澜庭》
北京，爱慕美术馆 ，2025.10.12 → 2025.11.30在 2025 年“粉红丝带月”，爱慕美术馆呈现女性艺术家群展《澜庭》，汇聚王舒艺、罗诗琳、王艺潼与刘沁心四位创作者。
展览通过影像、软雕塑与版画等多样媒介，探讨女性身份、成长、社会角色、个体记忆及现代生活体验。
王舒艺的梦境般创作将女性集体意识与隐秘自我呈现出来；罗诗琳以壮族女神“姆六甲”为灵感，映照新一代女性的觉醒与反叛；王艺潼的版画在黑白梦境与未来幻想间构建出跨越时间与空间的世界；刘沁心则通过纤维与影像记录都市生活与个体记忆的微妙关联。
四位艺术家以各自独特的创作语言，将女性生命体验中的复杂性、力量与想象力呈现于观者面前，让日常情感与历史记忆在作品中交织、升华。
扩展阅读：
https://www.xiaoyuzhoufm.com/ episode/68c6319bd27867cde28e56da
https://mp.weixin.qq.com/s/5aAfbkldRcvxpfannonDKw
女性艺术资源
Resource
布鲁克林博物馆
Feminist Art Base
在 20 世纪后期兴起的众多艺术运动中，女性主义艺术以其雄心、影响力与持久性，成为过去 60 年来艺术界的核心力量之一。该运动以包容的主题与媒介，彻底重塑了艺术的定义，并在形式主义盛行的时代之后，重新唤起社会议题的关注，同时开创性地将行为艺术与视听媒介引入纯艺术领域。
女性主义与女性主义艺术也是布鲁克林博物馆使命的重要组成部分。博物馆的展览史上，曾多次举办具有里程碑意义的女性主义艺术展览。自 2007 年以来，博物馆自豪地设立了“女性主义艺术中心”——全球唯一的此类策展机构。其女性主义艺术收藏无与伦比，其中包括朱迪·芝加哥的标志性作品《晚宴》。
Among the most ambitious, influential, and enduring artistic movements to emerge in the late 20th century, feminist art has played a leading role in the art world over the last 60 years. The movement dramatically redefined art to be more inclusive in both subject matter and medium. Feminist art also revived socially relevant issues after an era of aesthetic formalism, while also pioneering the use of performance and audiovisual media within fine art.
Feminism and feminist art are integral to the Brooklyn Museum’s mission. Our exhibition history is replete with landmark shows dedicated to feminist art and artists. Since 2007, the Museum is proud to be home to the Center for Feminist Art, the only curatorial center of its kind. Our Feminist Art collection is second to none and includes Judy Chicago’s iconic The Dinner Party.
——Brooklyn Museum
晚宴
The Dinner Party
Judy Chicago
朱迪·芝加哥（Judy Chicago）的《晚宴》（1974–1979）是 20 世纪 70 年代美国女性主义艺术的象征，也是20世纪最重要的艺术作品之一，深受观众喜爱。这个大型装置以一张为 39 位历史与神话女性准备的盛宴长桌，致敬她们在西方文明中的生命与成就；桌下“传承地板”上还铭刻着另外 999 位女性的名字。作品以大胆的概念与华丽的视觉形式，挑战了父权体制对女性历史的长期抹除。芝加哥以绘制与塑形的陶瓷盘、精致的刺绣桌旗等材质完成这一壮举，这些材料因与“女性劳动”相关而被有意选用。
《晚宴》曾经被一位美国国会议员讥讽为“立体陶瓷色情”，但其象征意义层次丰富，值得细细观看。作品以“中心核心”（女性生殖象征）图像为主体，突破性地拥抱以身体为核心的抽象艺术——这在当时极具争议。然而，《晚宴》自问世以来便深受公众喜爱，吸引了无数渴望看到女性历史被正名的观众。
作品捐赠给布鲁克林博物馆后，该馆成立了女性主义艺术中心，并将《晚宴》作为永久展出核心，周围设有轮换展出的女性主义艺术作品。
Judy Chicago’s The Dinner Party (1974–79) is an icon of 1970s American feminist art, one of the most important artworks of the 20th century, and a visitor favorite. The large-scale installation celebrates the lives and achievements of historical and mythical women across Western civilization in the form of a lavish banquet table set for 39. The names of 999 more women stream out on the Heritage Floor. Conceptually daring and visually dazzling, Chicago’s landmark artwork challenges centuries of patriarchal erasure of women’s history. This feat is executed in brilliant detail across the painted and shaped ceramic plates and richly embellished needlework runners, materials specifically chosen for their resonance with so-called women’s work.
Once derided as “3-D ceramic pornography” by a U.S. congressman, The Dinner Party’s symbolic layers reward close looking. They focus on the “central core” (or vulvar) imagery in an unprecedented embrace of body-based abstract art that was highly controversial in the years following its debut. Despite the critics, The Dinner Party was always beloved, attracting droves of visitors eager to see women’s history fully celebrated. The gift of this work to the Brooklyn Museum created the Center for Feminist Art, where the installation is on permanent display and surrounded by rotating galleries of feminist art.
——Brooklyn Museum
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